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Séries de Proposições Performativas
Series of Performative Propositions
Fernanda Eugenio, Coletivo AND & múltiplas colaborações
Desde 2006 (anterior à emergência do AND Lab)
Das mais recentes às mais antigas, role para baixo para ver as Séries de Proposições Performativas desenvolvidas até o momento pelo AND Lab.
Série Dez posições ante o Irreparável
Cinco performers, dez ações performativas e a proposição de atravessarmos juntes o momento mundialmente crítico de incerteza e suspensão instaurado pela pandemia de covid-19, ativando o sentipensar dos modos de viver juntes propostos pela ética de reparagem e reparação do MO_AND.
"Dez posições ante o Irreparável" é uma série online de performances-para-a-câmera, que conjuga as linguagens da performance ao vivo e do vídeo, concebida por Fernanda Eugenio em colaboração com es integrantes do Coletivo AND Pat Bergantin, Mariana Pimentel, Milene Duenha e Guto Macedo, a partir das palavras que compõem as Dez Posições ante o Irreparável, de Fernanda Eugenio.
(An)coragem, co(m)passionamento, consistência, comparência, firmeza,franqueza, suficiência, justeza, des-ilusão, des-cisão são as ferramentas-conceito traduzidas em gesto, articulando o dizer e o mover, num encontro entre corpos de pessoas, de palavras e de laranjas. O programa performativo que orienta a série consiste na enunciação do conceito de cada palavra acompanhada de uma ação que a encarna, no encontro-confronto entre as peles humanas e as da fruta.
Enquanto cada 'verbete' revive numa leitura em alta voz, por Fernanda Eugenio, o seu corpo-fala se desmembra e remembra, através de composições efêmeras que emergem a partir da montagem, no vídeo, com partes de outros corpos em ação: corpos-gestos que materializam em ato as operações (po)ético-políticas postas em jogo pelos conceitos. Assim, a tela/ecrã se faz plano comum, no qual a força que cada palavra-posição porta não cessa de circular - e de se "descomportar" - numa corporificação multiplicada e movente.
Criados numa colaboração à distância, durante a primeira onda da pandemia de covid-19, com cada integrante do grupo a trabalhar a partir da sua casa, os vídeos ativam recursos simples e que já estavam à mão na situação de isolamento: câmeras de telefone e elementos presentes no ambiente doméstico. Dentre eles, como forma de plasmar um plano comum, o grupo acabou por eleger laranjas enquanto materialidade agregadora partilhável - por estarem disponíveis em todas as cozinhas e carregarem, enquanto corpo vivo com carne-recheio e casca-couraça, operações sensíveis caras à pesquisa manuseada e sentida do Irreparável.
Os episódios da série de videoperformances dedicam-se, cada um, à leitura encarnada de uma das dez palavras-posições, e tanto podem ser assistidos autonomamente quanto formam, no seu conjunto, um percurso-jogo que vai da primeira à décima palavra, numa jornada de constituição de corpo para "reparar (n)o Irreparável".
A série foi contemplada pelo prêmio Arte como Respiro 2020, do Itaú Cultural e estreou em julho do mesmo ano, no âmbito dos Estudos Indóceis da edição piloto da Escola do Reparar, abrindo um espaço coletivo de desdobramento da experiência e de reflexão crítica à volta da (ir)reparabilidade do mundo tal como o conhecemos - uma problemática que tem norteado o trabalho do MO_AND, e que se agudiza no contexto pandêmico.
Ações PsicosSOMAgicas
Consiste num conjunto de programas performativos para operar no sensível através de uma formulação mágico-ritual que ativa operações de dis-solução: (des)integração, trans-formação, (trans)bordamento, com-temporaneidade e (re)pouso.
Procurando abordar o Soma enquanto agregado aquém-além do corpo físico, envolvendo dimensões mais-que-humanas trans e infra-pessoais - individuais e ancestrais, sociais e culturais, históricas e cosmológicas - as Ações propõem vivências duracionais e intensivas, quase-jornadas, que miram a matéria íntima-pessoal (sob a forma do desconforto e da inquietação e/ou de emoções desafiadoras como o medo, a raiva, a vergonha e a culpa) para atravessá-la e transmutá-la num plano simbólico-performativo.
As Ações, criadas por Fernanda Eugenio e Dani d'Emilia no âmbito da sua pesquisa colaborativa Práticas de Dis-solução, emergiram ao longo da edição 2020 do programa stANDing da Escola do Reparar, com o apoio da Câmara Municipal de Lisboa, quando as Práticas de Dis-solução entraram em conversa com as Dez Posições ante o Irreparável, de Fernanda Eugenio, que funcionaram como tema para as atividades daquele ano.
Esta série foi sintetizada em cinco vídeos inéditos, com edição de Pedro Henrique Risse, cada um deles dedicado à colisão entre duas das palavras-posições/ferramentas-conceito de Fernanda Eugenio: (an)coragem & co(m)passionamento, consistência & comparência, firmeza & franqueza, suficiência & justeza, des-ilusão & des-cisão.
Série Metálogos
Nesta série, iniciada em 2015, Fernanda Eugenio e Ana Dinger colecionam conversas-performance situadas, experimentando com o público diferentes gradações da participação.
Como uma conversa usual, os metálogos são irrepetíveis e ingovernáveis. Comportam o risco do encontro porque os seus percursos, meios e tons emergem no próprio fazer. Diferentemente de uma conversa usual, os metálogos recuperam uma operação avançada por Gregory Bateson: o compromisso de tentar que o modo de conversar materialize aquilo que está a ser conversado.
No metálogo, procura fazer-se com conceitos ou, se possível, fazer os próprios conceitos, performando modos intensivos de pensar em relação. O esforço é o de presentação e não de representação, no sentido de superar, através do uso, tensões como estrutura/matéria e forma/conteúdo.
A questão-problema, a ser manuseada, a cada edição, tem sido extraída do tema oferecido por um evento anfitrião. São sobretudo as condições do encontro que se preparam e esse trabalho preparatório (já, muitas vezes, também, metalógico) consiste no mapeamento das vizinhanças do problema e na proposição de ferramentas, materiais, formatos ou interfaces.
O metálogo habita diferentes territórios, a cada vez resultando num objeto singular. O programa recorre sem remontar, outro modo de dizer que se repete o procedimento, diferindo a sua materialização. Constroem-se objetos tão distintos como uma batalha de slides, um artigo escrito ao vivo, uma palestra sem fala, um jogo de baralho ou um mecanismo-convite à realização de um conjunto de tarefas numa praça.
Ensaiando um modo operativo perspectivista, o metálogo percorre a paisagem do problema através de uma tática da dádiva: o problema ganha corpo através do receber e retribuir de cada tomada de posição recíproca. Insiste-se no metálogo até que a questão inaugural se reformule, por desdobramento, numa outra ou mais questões.
Os metálogos são criados, a princípio, segundo uma lógica usualmente atribuída ao happening: para serem apresentados uma única vez, na/para a situação que os dispara e acolhe originariamente. A materialidade emergente de alguns dos metálogos tem, entretanto, levado a que se explore a possibilidade do re-enactment e/ou da autonomização do artefato resultante de uma edição, quando esta revela um desdobramento em potencial e pede por uma continuação da direção encontrada.
Edições já realizadas
Metálogo #1 - os modos da situação (Performance, Art and Politics, Atenas, Setembro de 2015);
Metálogo #2 - o artista etnográfo & o etnográfo artista (Mind the Gap, Universidade Católica, Lisboa, Novembro de 2015);
Metálogo #3 - os modos da superfície (À procura da superfície, ESE, Porto, Abril de 2016);
Metálogo #4 - histórias & geografias da performance (Performance Art em Portugal, CCB Museu Berardo, Lisboa, Julho de 2016)
Metálogo #5 - os modos do público (Festival Amostra Urbana, Curitiba, Novembro de 2017)
Metálogo #6 - o irreparável, entre o passado e o futuro (Exposições-Ocupação AND; Mira Artes Performativas, Porto, e Rua das Gaivotas 6, Lisboa, Dezembro de 2019)
Metálogo #7 - a cicatriz (Dez anos em Posição-Com, Penhasco, Lisboa, Outubro de 2021)
Série AND How
Iniciada em 2015 por Fernanda Eugenio e Francisco Gaspar Neto, é uma proposição-situação participativa que, através da instalação de uma ambiência temporária de convívio entre pessoas desconhecidas (o público), convida a uma investigação coletiva à volta de como operam as diferentes dimensões da vida, sintetizadas, a cada edição, numa só palavra-questão.
A cada vez, a proposta acontece num entre-2 (Fernanda Eugenio ou Francisco Gaspar convidam ou são convidades por alguém) e é ativada enquanto plano de encontro através da extensão do convite a um entre-muites – pessoas que partilhem da mesma inquietação e queiram juntar-se e contribuir com matérias e perguntas.
Cada edição do AND How é instalada numa ambiência diferente, partindo de uma coleção de materiais iniciais (sob a curadoria das pessoas proponentes de cada edição) que conformam um território-pergunta.
É a habitação coletiva temporária deste território-pergunta que descobrirá-inventará os modos de voltar a arrumar estas matérias, encontrando o próximo rumo.
Edições já realizadas:
AND HOW #1 os modos da conversa, situada num jantar entre desconhecides | com Fernanda Eugenio e o artista e colaborador do AND Lab Francisco Gaspar Neto (Lisboa, 2015)
AND HOW #2 os modos da solidão, situada num final de semana de auto-etnografia da intimidade, mediado por um conjunto de tarefas e gravações em áudio | com Fernanda Eugenio e o artista e colaborador do AND Lab Francisco Gaspar Neto (Lisboa, 2015)
AND HOW #3 os modos da pausa, situada na vivência de uma cerimônia do chá japonesa | com Fernanda Eugenio e a artista nipo-brasileira Erika Kobayashi (Lisboa, 2015)
AND HOW #4 os modos da palavra, situada no uso e experimentação com o conjunto das ferramentas-conceito AND e de jogos poéticos | com Fernanda Eugenio e a poeta Gab Marcondes (Lisboa, 2015)
AND HOW #5 os modos da sintonia, situada no uso e experimentação dos procedimentos da artista visual Lygia Clark | com Fernanda Eugenio e a psicóloga Catarina Resende (Lisboa, 2016)
AND HOW #6 os modos da frequência, com Francisco Gaspar Neto e a artista e colaboradora do AND Lab Milene Duenha, situada na relação com os diferentes tipos de pessoas frequentadoras de uma casa-ocupação (Curitiba, 2018)
Série SECALHARIDADE
Secalharidade foi, originalmente, uma conferência-performance criada em colaboração por Fernanda Eugenio e João Fiadeiro, com produção da RE.AL e co-produção da Culturgest e do Festival Alkantara, estreada em 2012.
A matéria central gerada da peça era uma faixa-manifesto de 2 metros de cumprimento, escrita ao vivo por Fernanda enquanto João fazia girar lentamente o papel em torno de um poste pertencente à arquitetura do Pequeno Auditório da Culturgest. O poste, geralmente evitado ou camuflado nas obras lá montadas, neste caso foi tornado num elemento-chave, em torno do qual a proposição emergiu.
Nos dois anos subsequentes, a faixa-manifesto se autonomizou do seu contexto inicial e tornou-se, primeiramente, numa serigrafia de edição limitada criada pela editora Ghost (2013) e, a seguir, em ações site-specific nas quais a faixa foi levada à rua, em duas ocasiões bastante distintas.
A primeira delas foi a manifestação "Que se lixe a Troika, queremos as nossas vidas" (Lisboa, 2013), a maior manifestação contra as medidas de austeridade da Troika então vigentes em Portugal. A segunda deu-se durante o Serralves em Festa (Porto, 2014), evento de grande porte no qual as portas do museu ficam abertas por 48 horas e recebe a maior afluência de público do ano. No primeiro caso, a faixa camuflou-se em meio a outras faixas com escritos reivindicativos, ao mesmo tempo adequando-se ao contexto e destoando dele, pelo tom ligeiramente deslocado, filosófico-poético, dos dizeres. No segundo caso, ela inseriu-se de propósito como objeto estranho, deslocado, em meio a uma situação em que se esperavam ver obras de arte, expectativa que a faixa ao mesmo tempo confirmava e da qual destoava, com a sua materialidade precária e 'mal acabada'.
Após muitos anos guardado, o objeto voltou a Serralves em 2021, no âmbito da exposição "Para uma timeline a haver - história da dança em Portugal', de Ana Bigotte Vieira e João dos Santos Martins.
Texto original da folha de sala da peça Secalharidade, apresentada em junho de 2012 no pequeno auditório da Culturgest:
Estamos aqui para tomar uma posição e para partilhá-la em com-posição, em “modo encontro”. É da matéria explicitada e re-situada deste comparecer recíproco que ambicionamos extrair uma via para resistir. Para re-existir. Uma via pela qual contornar o estado de refém em que a lógica da representação nos encerra. Uma maneira de traí-la, apenas o suficiente para devolver o encontro ao plano do uso. Não para negá-la, nem para afirmá-la – já que as máquinas do Não e do Sim só iriam reforçá-la, mas para fazer com ela. Para retroceder ao invés de avançar, estancando a cinética moderna do saber, proliferada e agravada, hoje mais do que nunca, no vício colecionista do “isso é isto” e no loop pós-moderno do “isso é isto ou isto, ou ainda isto...” Entretenimento que nos imuniza num desperdício ad nauseum de respostas que, entretanto, se esquece de questionar a pergunta.
Condição mínima: não faltar ao acontecimento e, sobretudo, chegar atempadamente. Desarmados de respostas prévias, disponíveis para flagrar no Óbvio a emergência de uma outra pergunta. Desativar a expectativa e todos os seus duplos – desejos de controle e manipulação – que, por norma, nos fazem chegar adiantados ao “saber” e atrasados ao “que sabe” o encontro. Ativar, no seu lugar, um estado de secalharidade, uma espera distraída de todos os parti pris, que se adensa à medida que nos empenhamos numa estimativa recíproca, numa abertura ao “acidente” do Outro. Ativar ainda, uma responsabilidade filigranar, ética do manuseamento atento, em vez da apatia, da não-comparência, de um fugir generalizado, da desistência desiludida.
Estamos aqui, pois, a propor um entre-tenimento. Um “ter com”, um sustentar recíproco do não saber. Um “deixar-se estar” o tempo suficiente para que o próprio intervalo se efetue em “e”, em relação, em alteração mútua e em alargamento de mundo. Um entre-ter que cresce e se propaga como meio. Não como meio-termo, mas como meio-ambiente.
A conferência-demonstração O Jogo das Perguntas
Criada também neste período, em 2013, para funcionar como um instrumento de mediação, permitindo apresentar ao público o Modo Operativo AND em um formato expositivo. Fazendo uso combinado de elementos orais, performativos, audiovisuais e gráficos, a situação de partilha instaurada permitia tocar nas principais ferramentas e questões do projeto AND Lab em pouco menos de uma hora.
Dentro da conferência, uma versão-maquete do poste presente na peça Secalharidade, bem como o re-enactment da escrita da faixa-manifesto, serviam de agregadores, em torno dos quais se estruturava a apresentação.
A conferência-demonstração O Jogo das Perguntas foi apresentada diversas vezes ao longo do ano de 2013, em Portugal (Atelier RE.AL, Lisboa; Centro Cultural de Cascais, Cascais; Museu de Serralves, Porto), no Brasil (Festival Múltipla Dança, Florianópolis) e na Argentina (IUNA, Buenos Aires).
Trecho da sinopse original:
O jogo das perguntas começa quando somos apanhades pelo imprevisível. Começa, então, nem pelo início nem pelo fim, mas pelo meio: aquele lugar-situação em que o acidente irrompe e nos interrompe, dando-nos a oportunidade de encontrar um outro jogo, no qual as regras possam emergir do próprio jogar.
A ativação deste outro modo operativo acontece na passagem do “saber o porquê” ao “saborear o quê”, permitindo que seja o próprio acontecimento a nos dizer a que sabe. Neste jogo, já não é a situação em redor que ocupa o lugar daquilo que se espera, mas nós própries é que entramos em “modo espera”.
O primeiro e talvez o único gesto é mesmo este: parar. Ou, melhor dizendo, “re-parar”: voltar a parar para reparar.Logo que “re-paramos”, o meio ganha relevo: somos o que temos e o que nos têm, nesta implicação recíproca que nos torna, junto com o acidente, simultaneamente espaço, tempo, matéria e relação. Se pudermos sustentar este justo meio, se pudermos aguentar não saber, será a sustentabilidade do próprio encontro que terá então espaço para se (des)dobrar em convivência e plano comum.
Série Palavras-Palestra
Seria possível entrar em relação-traição com a linguagem, ao mesmo tempo fazendo com ela e fora dela, e fazendo desta operação um meio para desviar a sua vocação para a ordem ou o endosso? Seria possível fazer a palavra e palavrar o fazer, circunscrevendo sem nunca chegar a escrever?
Nesta série Fernanda Eugenio explora, desde 2006, diferentes procedimentos de intervenção direta na materialidade das palavras – ou de re-materialização poética e escultórica da palavra – enquanto modos para a invenção conceitual e para a pesquisa da consistência entre o pensar e o fazer, o dizer e o praticar.
Este trabalho de (pa)lavragem – lavrar da palavra – deseja-se incansável e talvez se relacione com o inconformismo de um qualquer cansaço que, às vezes, as palavras experimentam. Relaciona-se, certamente, com aceitar que é preciso fazer com o que se tem – mesmo que o que se tem sejam só palavras cansadas. Relaciona-se, também, com o alargamento do que pode ser a tradução, reivindicando um território de pesquisa para a tradução intra-língua, para além daquele entre-línguas que já lhe está assegurado.
Ao longo de mais de dez anos, foram trabalhadas incontáveis palavras, que resultaram em objetos performativos apoiados nas mais diversas interfaces: poesia, carimbo e estêncil urbano; vídeo e fotografia; desenho; escultura com materiais improváveis como gelo, massa caseira, objetos de uso quotidiano, etc. Algumas das palavras exploradas foram: quase, erro, atenção, demora, coragem, distância, não, assim, logo, fora. Da Série Palavras-Palestra emergiram todos os jogos de palavras (por relações de tensão, por triangulação ou por transformação e neologismo) que compõem, atualmente, as ferramentas-conceito do Modo Operativo AND.
Série Re-Programas
Esta série reúne um conjunto de proposições sensíveis ao lugar, sob a forma de performances invisíveis e/ou duracionais, deambulações-coleções imagéticas e jogos-performance participativos, criações de Fernanda Eugenio, a partir dos procedimentos desenvolvidos na sua pesquisa de longa duração Etnografia como Performance Situada.
Estes trabalhos, apesar da diversidade, têm em comum o afecto pela textura viva e mutante do agregado corpo-cidade-paisagem, um uso recorrente do relato (escrita e imagem fotográfica) como modo de arquivar a experiência e, sobretudo, o recurso a um mesmo protocolo de criação, composto pelos dispositivos da Reparagem e do Re-programa.
Reúne-os um modo de criar cuja execução produz, ao mesmo tempo que dá a ver (com graus de visibilidade variados), uma obra-operação que, uma vez programada – ou seja, organizada como território para que algo se passe ou não se passe – permite trabalhar recursivamente com suas próprias consequências, numa série potencialmente ilimitada.
A partir da instalação de uma zona comum de atenção num território da cidade, trabalha-se com diferentes cortes fractais de matéria urbana, seguindo o percurso: deambulação e paragem > descrição e maximização > circunscrição e menorização > proposição do programa > execução e recolha de consequências > re-proposicão do programa.
Trata-se de um procedimento que desloca a sensibilidade e o fazer etnográficos para um plano de uso comum e coletivo, abordando-os como instrumentos para o jogo de com-posição relacional em escala cotidiana e para a performance ao vivo do encontro.
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[English]
Series of Performative Propositions
Since 2006 (prior to the emergence of the AND Lab)
Fernanda Eugenio, AND Collective & Multiple Collaboration
From newest to oldest, scroll down to see the Performative Proposition Series developed by AND Lab until today.
Series of 'Ten Positions in Face of the Irreparable'
"Five performers, ten performative actions and the proposition to traverse together the worldwide critical moment of uncertainty and suspension instaurated by the covid-19 pandemic, activating the sense-thinking of the living-together modes proposed by MO_AND's ethics of repair and reparation."
"Ten Positions in Face of the Irreparable" is an online series of performances-to-the-camera that combines the languages of live performance and video, conceived by Fernanda Eugenio in collaboration with members of the AND Collective Pat Bergantin, Mariana Pimentel, Milene Duenha, and Guto Macedo, based on the words that make up Fernanda Eugenio's Ten Positions in Face of the Irreparable.
(An)c(h)ourage, co(m)passionment, consistency, comparence, firmness, frankness, sufficiency, justness, dis-illusion, de-scission are the concept-tools translated into gesture, articulating the saying and the moving, in an encounter between bodies of people, words and oranges. The performative program that guides the series consists in the enunciation of the concept of each word accompanied by an action that embodies it, in the encounter-confrontation between human skins and those of the fruit.
While each 'entry' revives itself in a loud reading by Fernanda Eugenio, her body-speech dismembers and re-members itself, through ephemeral compositions that emerge from the montage, in the video, with parts of other bodies in action: body-gestures that materialize in act the (po)ethical-political operations put into play by the concepts. Thus, the screen becomes a common plane, in which the force that each word-position carries does not stop circulating - and "decomporting" itself - in a multiplied and moving embodiment.
Created in a remote collaboration, in work-from-home conditions, during the first wave of the covid-19 pandemic, the videos activate simple resources that were already at hand in isolated situations: telephone cameras and elements found in the domestic environment. Among them, as a way to shape a common plan, the group ended up choosing oranges as an aggregating shared materiality - because they are available in every kitchen and carry a living flesh-filled and a shell-skinned body, sensing operations related to the handled and felt research of the Irreparable.
The episodes of the video performance series are dedicated to the embodied reading of one of the ten words-positions, and can be watched separately or as a whole game-path, ranging from the first to the tenth word, in a journey of body constitution to "repair (in) the Irreparable".
The series was awarded the Art as Breath 2020 prize, from Itaú Cultural, and premiered in July of the same year, as part of the Unruly Studies of the pilot edition of the School of Reparar, opening a collective space for the unfolding of the experience and critical reflection around the (ir)reparability of the world as we know it - a problematic that has guided the work of MO_AND, and has revealed increasingly in the pandemic context.
PsychoSOMAgic Actions series
It consists of a set of performative programs to work on the sensibility through a magical-ritual formulation that activates dis-solution operations: (dis)integration, trans-formation, (trans)bordering, co-temporaneity and (re)landing.
Seeking to approach the Soma as an entity beyond the physical body, involving trans and infra-personal, more-than-human dimensions - individual and ancestral, social and cultural, historical and cosmological - the Actions propose durational and intensive experiences, quasi-journeys, that aim at the intimate-personal matter (in the form of discomfort and disquiet and/or challenging emotions such as fear, anger, shame, and guilt) in order to cross and transmute it into a symbolic-performative plane.
The Actions, created by Fernanda Eugenio and Dani d'Emilia in the scope of their collaborative research Dis-solution Practices, emerged during the 2020 edition of the stANDing program of the School of Reparar, with the support of the Lisbon City Council, when the Dis-solution Practices came into conversation with the Ten Positions in the face of the Irreparable, by Fernanda Eugenio, which worked as the theme for the activities of that year.
This series was synthesized in five unpublished videos, edited by Pedro Henrique Risse, each of them dedicated to the collision between two of Fernanda Eugenio's concept-words-positions/tools: (an)c(h)ourage & co(m)passionment, consistency & compearance, firmness & frankness, sufficiency & justness, dis-illusion & de-scission (link above within Portuguese text).
Metalogue Series
In this Series, begun in 2015, Fernanda Eugenio and Ana Dinger collect situated performance-conversations, experimenting with different degrees of audience’s participation.
As any usual conversation, metalogues are unrepeatable and ungovernable. They bear the risk of the encounter because their paths, means and tones emerge in their own doing. Unlike usual conversations, metalogues recover an operation proposed by Gregory Bateson: the commitment to make the conversation materialise what is being talked about.
In the metalogue, the attempt is to perform with concepts or, if possible, to perform the concepts, performing intensive modes of thinking-in-relation.The effort is of presentation and not of representation, in the sense of overcoming, through use, tensions such as structure vs. matter and form vs. content.
The question-problem to be handled is usually suggested by a host event. The work is, above all, to prepare the conditions for the encounter and that preparatory work (often also already metalogic) consists of mapping the neighbourhoods of the problem and proposing tools, materials, formats or interfaces to be used. The metalogue inhabits different territories, each time resulting in a singular object. It is a programme that recurs without relapsing, which is another way of saying that the procedure is repeated, though its materialisation differs.
By rehearsing a perspectivist operative mode, the metalogue traverses the landscape of the problem using the tactic of the gift: the problem gains a body through receiving and reciprocating each position-taking. The metalogue is continued until the inaugural question is reformulated, by extension, into one or more questions. Metalogues result in objects as varied as a slideshow battle, a live-written article, a lecture without speech, a game of cards or an invitation-mechanism proposing a set of tasks to be performed in a square.
Metalogues are created according to a logic often attributed to happenings: to be presented only once, in the situation that originally triggers and welcomes them. The emergent materiality of some of the metalogues has, however, led to the possibilities of re-enactment and/or autonomization of the artefacts resulting from some editions (when the potential for unfolding becomes evident and the work calls for continuation).
Past editions:
Metalogue # 1 - the modes of the situation (Performance, Art and Politics, Athens, September 2015);
Metalogue #2 - the artist-ethnographer & the ethnographer-artist (Mind the Gap, Universidade Católica, Lisbon, November 2015);
Metalogue #3 - the modes of surface (À procura da superfície, ESE, Porto, April 2016);
Metalogue #4 - stories & geographies of performance (Performance Art em Portugal, CCB Museu Berardo, Lisbon, July 2016)
Metalogue #5 - the modes of the public (Festival Amostra Urbana, Curitiba, November 2017)
Metalogue # 6 – the Irreparable, between past and future (Exposições-Ocupação AND; Mira Artes Performativas, Porto, and Rua das Gaivotas 6, Lisboa, December 2019)
Metalogue # 7 – the scar (Dez anos em Posição-Com, Penhasco, Lisbon, October 2021)
AND How Series
It began in 2015, created by Fernanda Eugenio and Francisco Gaspar Neto. AND How is a situation-proposition that, by installing a temporary conviviality among strangers (the audience), invites participants to engage in a collective investigation concerning various dimensions of life and its operations, synthesized, at each edition, in one word-question.
Each time, the situation begins in-between-2 (Fernanda Eugenio or Francisco Gaspar are either the hosts or guests, inviting or being invited by someone else) and is activated as plan of encounter, extending the invitation for the in-between-many – an in-between nourished by whoever shares the same concern and wishes to contribute with further questions and materials.
Each edition of AND How is installed in a different environment and is initiated with a collection of materials curated by the proponents of each edition.
This initial collection/curatorship can shrink or stretch and will constitute the territory-question to be inhabited collectively, even if provisionally, allowing for the investigation of ways to rearrange the materials and find new paths.
Past editions:
AND HOW #1 the modes of conversation; situation: dinner among strangers | with Fernanda Eugenio and artist and AND Lab collaborator Francisco Gaspar Neto (Lisbon, 2015)
AND HOW #2 the modes of solitude; situation: weekend dedicated to an auto-ethnography of intimacy, mediated by a set of tasks and audio recordings | with Fernanda Eugenio and artist and AND Lab collaborator Francisco Gaspar Neto (Lisbon, 2015)
AND HOW #3 the modes of pause; situation: the experience of a Japanese tea ceremony | with Fernanda Eugenio and Japanese-Brazilian artist Erika Kobayashi (Lisbon, 2015)
AND HOW #4 the modes of the word; situation: experimenting and using AND’s concept-tools and further poetic games | with Fernanda Eugenio and poet Gab Marcondes (Lisbon, 2015)
AND HOW #5 the modes of tuning; situation: experimenting and using the procedures of visual artist Lygia Clark | with Fernanda Eugenio and psychologist Catarina Resende (Lisbon, 2016)
AND HOW #6 the modes of frequency; situation: in relation with different ways of inhabiting an occupied building | with Francisco Gaspar Neto and artist and AND Lab collaborator Milene Duenha (Curitiba, 2018)
'Secalharidade' ('Mayhapness') Series
Secalharidade was originally a conference-performance created in collaboration between Fernanda Eugenio and João Fiadeiro, produced by RE.AL and co-produced by Culturgest and Festival Alkantara, premiered in 2012.
The central material generated by the piece was a 2-meter long banner-manifesto, written live by Fernanda while João slowly rotated the paper around a pole belonging to the architecture of Culturgest's Small Auditorium. The pole, usually avoided or camouflaged in the works mounted there, in this case was turned into a key element, around which the proposition emerged.
In the two subsequent years, the banner-manifesto became autonomous from its initial context and was first turned into a limited edition silkscreen created by the Ghost label (2013) and then into site-specific actions in which the banner was taken to the street on two very different occasions.
The first was the demonstration "Screw the Troika, we want our lives" (Lisbon, 2013), the largest demonstration against the Troika's austerity measures then in force in Portugal. The second took place during Serralves em Festa (Porto, 2014), a large-scale event in which the museum's doors stay open for 48 hours and receive the largest public turnout of the year. In the first case, the banner camouflaged itself in the midst of other banners with claiming writings, at the same time adapting to the context and deviating from it, by the slightly out of place, philosophical-poetic, tone of the words. In the second case, it purposely inserted itself as a strange displaced object in the midst of a situation where works of art were expected to be seen, an expectation that the banner both confirmed and contradicted, with its precarious and 'badly finished' materiality.
After many years in storage, the object returned to Serralves in 2021, as part of the exhibition "Para uma timeline a haver - história da dança em Portugal", by Ana Bigotte Vieira, Carlos Oliveira and João dos Santos Martins.
Original text of the play Secalharidade, presented in June 2012 in the small auditorium of Culturgest:
We are here to take a position and to share it in co-positioning, in "encounter mode". It is from the explicit and re-situated matter of this reciprocal presence that we aim to extract a way to resist. To re-exist. A way around the hostage state in which the logic of representation holds us. A way to betray it, just enough to return the encounter to the plane of use. Not to deny it, nor to affirm it - since the No and Yes machines would only reinforce it, but to do with it. To go backward instead of forward, stanching the modern kinetics of knowing, proliferated and aggravated, today more than ever, in the collectivist addiction to "this is it" and the postmodern loop of "this is it or this, or still this..." Entertainment that immunizes us in an ad nauseum waste of answers that meanwhile forgets to question the question.
Minimum condition: not to miss the event and, above all, to arrive on time. Disarmed of previous answers, available to catch in the Obvious the emergence of another question. Deactivate expectation and all its doubles - desires for control and manipulation - which, as a rule, make us arrive early to the "knowing" (saber) and late to the "flavouring" (sabor) of the encounter. To activate, in its place, a state of mayhapness, an expectation distracted from all the parti pris, which grows as we engage in a reciprocal estimation, an openness to the "accident" of the Other. It also activates a filigree responsibility, an ethic of attentive handling, instead of apathy, of non-comparison, of a generalized fleeing, of disillusioned giving up.
We are here, then, proposing an in-betweenness. A "having with," a reciprocal sustaining of not knowing. A "letting oneself be" long enough for the interval itself to become "and", in relation, in mutual alteration and world widening. An in-between that grows and propagates itself as a way. Not as a mid-term, but as a condition.
The Game of Questions
This conference-demonstration was created in the same period, in 2013, to function as a mediation tool, allowing to introduce Modus Operandi AND to the public in an expository format. Combining oral, performative, audiovisual, and graphic elements, the situation instaurated by this proposition was able to touch the main tools and questions of the AND Lab project in a little less than an hour.
Within the conference, a mockup version of the pole used in the piece Mayhapness, as well as the re-enactment of the writing of the banner-manifesto, served as aggregators, around which the presentation was structured.
The conference-demonstration O Jogo das Perguntas was presented several times throughout 2013, in Portugal (Atelier RE.AL, Lisbon; Centro Cultural de Cascais, Cascais; Museu de Serralves, Porto), in Brazil (Festival Múltipla Dança, Florianópolis; Faculdade de Artes do Paraná, Curitiba), in Argentina (IUNA, Buenos Aires) and Chile (Universidad de Santiago).
Excerpt from the original synopsis:
The game of questions begins when we are caught by the unpredictable. It begins, then, neither by the beginning nor by the end, but by the middle: that place-situation in which the accident breaks in and interrupts us, giving us the opportunity to find another game, in which the rules can emerge from the play itself.
The activation of this other modus operandi happens in the passage from "knowing why" to "tasting what," allowing the event itself to tell us what it tastes like. In this game, it is no longer the surrounding situation that occupies the place of what is expected, but we ourselves enter in "waiting mode".
The first and maybe the only gesture is really this: to stop. Or, better saying, "re-stop": to stop again in order to repair. As soon as we "re-stop", the middle becomes relevant: we are what we have and whatever there is within ourselves. This reciprocal implication makes us, along with the accident, simultaneously space, time, matter, and relation. If we can sustain this just medium, if we can bear not knowing, it will be the sustainability of the encounter itself that will then have space to (un)fold itself into coexistence and common plan.
Words-Lecture Series
Is it possible to enter into a relation-betrayal with/of language, at the same time doing things with it and outside of it, and turning this operation into a means to divert language’s vocation for order and endorsement? Is it possible to make words and wording the work of doing, circumscribing without ever writing?
Since 2006, Fernanda Eugenio has explored different procedures of intervening in the materiality of words - of poetic and sculptural re-materialisation of words - as modes of conceptual invention and search for consistency between thinking and doing, speech and practice.
This work of wording – the labour of words – is relentless and relates, perhaps, to the nonconformity coming from the weariness words sometimes experience. It is certainly related to accepting that ‘one has to do with what one has’ - even if what one has is only weary words. It is also related to the broadening of what translation can be, claiming a research territory for intra-language translation, in addition to the accostumed inter-language translation.
For more than ten years, countless words were the subject of this labour, having resulted in performative objects using the most diverse interfaces: poetry, urban stencils and stamps; video and photography; drawing; sculpture with improvised materials such as ice, homemade pasta, objects of daily use, etc. Some of the explored words were: almost, error, attention, delay, courage, distance, no, so, soon, outside. From the Words-Lecture Series emerged all the word games (tension relations, triangulations, transformations and neologisms) that currently constitute the concept-tools of Modus Operandi AND.
Re-programme Series
This Series brings together a set of propositions that are responsive to place, in the form of invisible and/or durational performances, imagery drifting-collections and participatory performance-games, creations of Fernanda Eugenio, using the procedures developed in her long-term research Ethnography as Situated Performance.
These works, despite diverse, have in common the affection for the living and mutant texture of the body-city-landscape aggregate; the recurring use of storytelling (writing and photographic image) as way of archiving experience; and, above all, they share the same creation protocol, using the dispositifs of Reparagem and Re-programme.
What also unites these works is a way of creating whose execution produces, at the same time as it makes visible (with varying degrees of visibility), a work-operation that, once programmed - that is, organised as territory for something to happen or not happen - allows to work recursively with its consequences, in a potentially limitless series.
From the installation of a common zone of attention in the territory of the city, one works with different fractal cuts of urban matter, following the path: wandering and stopping > description and maximization > circumscription and minorization> proposition of the programme > execution and collection of consequences> re-proposition of the programme.
It is a procedure that shifts ethnographic sensitivity and performativity into a common and collective plane of use, approaching them as instruments for the everyday game of relational co(m)position and live performance of the encounter.